When The Music´s Over. (Cuando La Música Termina.)
Aqui encontraras grandes discos del Rock, que deberias escuchar al menos una vez en tu vida.
"Confusión" será mi epitafio,
al tiempo que me arrastro por un camino roto y destrozado
y, si lo hacemos, podremos todos sentarnos
y reírnos.
Pero me temo que mañana estaré llorando,
sí, me temo que mañana estaré llorando.
(King Crimson)
sábado, julio 05, 2008
Jethro Tull - Thick As A Brick. (1972)
Discografica:Chrysalis Productor: Terry Ellis Pais:Reino Unido (Escocia) Duración:72:06
Tracks: 1.-Thick as a Brick (Part 1). 22:45 2.-Thick as a Brick (Part 2). 21:05
Band: Ian Anderson: voz, guitarra acústica, flauta, violín, saxofón y trompeta. Martin Barre: guitarra eléctrica y laúd. John Evan: piano, órgano y clave. Jeffrey Hammond-Hammond: bajo y voz. Barriemore Barlow: batería, percusión y timbal.
Thick as a Brick ("Duro como un ladrillo") es el segundo álbum conceptual de la banda de rock Jethro Tull, que fue lanzado en 1972.[1]
Es en definitiva el mayor trabajo de la banda, uno de los mejores albumes de rock progresivo y de la musica en general por su dosis de maestria, de excelentes composiciones y novedad (solo incluye una cancion); sin embargo, aunque esta opinión es discutida por algunos , indudablemente se encuentra entre las mejores obras del grupo, junto a Aqualung, Minstrel in the Gallery y Songs from the Wood.
El álbum se caracteriza por estar compuesto por una única canción (como el posterior álbum A Passion Play), dividida en dos partes (correspondientes a cada una de las caras de los discos de vinilo de la época). La letra, supuestamente, se basa en un poema escrito por un ficticio niño precoz llamado Gerald Bostock alias Little Milton, a pesar de estar dividida en dos partes, la union nunca se rompe en realidad pues el efecto de "viento" que se escucha al final de la primera parte continua en la segunda.
Las cubiertas y el interior del disco de vinilo fueron diseñados imitando un diario de un pequeño pueblo, el St. Cleve Chronicle & Linwell Advertiser, en el cual se incluye la letra de la canción y diversas noticias y pasatiempos típicos de un diario. La versión en CD quitó varios de esos pasatiempos, como la de une los puntos.
El álbum surgió como una reacción a lo que la crítica especializada opinaba sobre su anterior trabajo, Aqualung al que habían catalogado de "álbum conceptual". Ante estas afirmaciones, Ian Anderson respondió en una entrevista: "Si los críticos quieren un álbum conceptual, le daremos un álbum conceptual...". En la misma entrevista, Anderson añadió: "El álbum fue una parodia a los álbumes de Yes y Emerson, Lake & Palmer.
La formula fue exitosa y el disco llegó a alcanzar el primer puesto en la lista de ventas en Estados Unidos, ademas un quinto lugar en inglaterra.
El estilo de la obra podría calificarse de sinfonico obviamente añadiendo caracteristicas del rock. La estructura musical de varios de los temas que van emergiendo cíclicamente es más propio de una sinfonía que del rock. El número de instrumentos que van interviniendo, progresivamente, a lo largo de todo el tema de 43 minutos se hace incontable, incluyendo, aparte de los instrumentos tradicionales en el rock, xilófonos, órganos Hammond, violines e, inevitablemente, la flauta de Anderson; sin embargo este disco, a diferencia de los anteriores incluye como instrumento casi principal a los sintetizadores y mayores secciones de teclados, lo cual le da aun mas fuerza al estilo progresivo, a diferencia de sus anteriores trabajos; otro aspecto impresionante es la letra,que roza con lo poetico al incluir diversos pasajes de dificil interpretacion, la musica progresa a medida que el tema del que se habla también cambia.
Es memorable la interpretación de Thick as a Brick que realizaron en 1978 en el Videoconcierto desde el Madison Square Garden de Nueva York.
En temas de apreciacion hay bastante por recorrer que debemos dividirlo en letra y musica
- Musica: 1.-la cancion empieza de una manera acustica, con guitarra, para dar paso a la voz de Ian, que se refuerza con el sonido de su flauta al estilo medieval, luego van entrando los teclados pero aun no se siente el poder, hasta que...
2.-la primera progresion de la cancion es al estilo hard rock para pasar a una energica seccion de teclados al estilo de rick wakeman que se repetira en otros pasajes mas adelante, tiene caracter "introductivo" (mira ha nacido un niño y lo declaramos apto para luchar...) despues de la energia de los teclados y la guitarra hay una pequeñisima seccion acustica que solo sirve como pausa para de nuevo oir la introduccion y una seccion de teclados que nos recuerda un poco al techno que fuga brutalmente
3.-Para dar paso a una de las secciones mas melodicas, al estilo de una balada, es aqui que las letras adquieren mayor complejidad y la musica una mayor expresividad, luego se va progresando hasta una seccion casi lisergica, estilo Pink floyd donde un sintetizador y guitarra hipnoticos nos llevan en un miniviaje musical para despues volver a la melodia inicial, como cerrando el ciclo de esta seccion
4.- la siguiente seccion empieza con un ritmo folk, hay mas intervencion de los teclados y guitarra algo mas aspera, la bateria tambien se empieza a lucir para acompañar siempre a la flauta, al final hay una pequeña introduccion de teclados para el siguiente tema, esta seccion es corta como preludio hasta que llegue la parte mas interesante de la cancion
5.- esta demoledora seccion empieza con unos teclados estilo medieval, acompañados por la flauta, en ningun otra seccion del disco la faluta adquiere maoyr protagonismo, luego Ian nos dice Vengo de la clase alta para enmendar sus modales podridos, Mi padre era un hombre poderoso a quien todos obedecían... esta seccion es la mas melodica de la cancion, su estilo medieval y clasico y la gran maestria puesta en ella es una de las pruebas de la grandeza de este disco, aqui la musica adquiere un sentido verdadero y un gran numero de matices, a pesar de su aparente estilo infantil, mientras la melodia central se desvanece pasamos a
6.- una seccion tan buena como la anterior, casi como continuacion de ella, la flauta se vuelve mas hipnotica en una seccion bastante folk pero tambien bastante solida nos acompaña la voz aun desgarradora, todo hasta que llegue la ultima seccion
7.- ultima seccion de la primera parte, al estilo de rock pesado, es la mas floja de las partes vistas antes, pudo ser mejorada, y servir como un mejor "final" para la primera parte, solo se repite un rasgueo constante, casi terminando el rasgueo adquiere un eco ( lo mejor que se pudo hacer en esta seccion) para terminar de manera arrolladora, con un pequeño viento que se aleja
8.- empieza la segunda parte como acaba la primera, con un pequeño viento que nos lleva a una melodia de corte arabe para dejar paso a unos bajos que nos introducen en una seccion de teclados similar a la de la segunda seccion, solo que mas acelerados, esta es la seccion mas experimental y jazzistica del disco (al estilo de frank zappa), luego de escuchar a Ian, viene un solo de bateria bastante energico, acompañada con una flauta estilo clasico para al final un pequeño jammin' sin mucho sentido
9.- seccion bastante poetica y melodica repite la guitarra acustica del inicio de la cancion acompañada con flauta, casi al final una guitarra fuerte para decaer en el siguiente tema, el mas hermoso de la cancion
10.- aqui es donde la voz y la musica adquieren una expresion de otro mundo, al estilo de un adagio y con una introduccion vocal perfecta nos introducen unos bajos que connotan tristeza, pesadez, destruccion para dar paso a la voz de Ian en su mejor momento : ( Crees en el día? ¿Crees?, ¡Cree en el día! El Amanecer de la Creación de los Reyes ha comenzado.) nos dice, con una guitarra que inspira un lamento, simplemente genial, para luego pasar a una melodia que evoluciona desde esta a la siguiente, es decir va transformando el sonido de esta seccion en el siguiente con un estilo que nos recuerda a la musica romana
11.- aqui se recupera un tiempo mas acelerado en un estilo clasico, un allegro que a veces llega a ser presto, en el cual todos los instrumentos se complementan para lograr un sonido arrollador, la seccion principal se repite dos veces pero con variaciones en las letras, asi con un corte inseperado llegamos a
12.- seccion que sirve de coda al album ,se recupera la melodia de la seccion 6 aunque en un estilo mas de marcha clasica, con mayores presencia de teclados, para que al final ian nos de su ultimo aliento de voz y nos conmuevan con un solo de guitarras superpuestas como anunciando un final, aqui la emocion ya no se contiene hasta que nos introducen en un solo de teclados acompañados por violines para despues dar paso a toda la mezcla de instrumentos tocando juntos y finalmente
13.- la ultima seccion que recupera la primera y en la ian nos da su conclusion de todo sus hombres sabios no saben lo que se siente cuando se es duro como un ladrillo. y nos dice casi sin oirlo FIN.
Band: Andrew Stockdale – guitarra, voz. Chris Ross – bajo, teclados, sintetizador y órgano. Myles Heskett – batería, percusión.
Wolfmother es un grupo de hard rock, procedentes de Australia. Su música se describe como "retro-rock" y nacen con un ojo puesto en el grunge americano de los noventa (desde Nirvana pasando por Soundgarden) y el otro en el rock duro británico de los setenta (Led Zeppelin, Deep Purple y Black Sabbath),así como por otras bandas más actuales como Oasis, The White Stripes o Kyuss.
En 2004, Wolfmother comenzó a aparecer en varios acontecimientos musicales importantes, tales como Homebake y el Big Day Out. En Septiembre de 2004 Sacaron Wolfmother EP, a través de Modular Records. El EP fue un éxito, con unas ventas superiores a las 10.000 copias. En 2005, la banda se fue a Los Ángeles, trabajando junto al productor Dave Sardy (Red Hot Chili Peppers, Marilyn Manson, y Oasis) para grabar su álbum Wolfmother, lanzado en octubre de 2005.
Wolfmother actuó en el 2006 MTV Movie Awards. Ese año la banda australiana también actuó en el Azkena Rock Festival en Vitoria (España) compartiendo cartel con artistas tan populares como Pearl Jam, Iggy Pop o Buckcherry. También tocaron como teloneros de Pearl Jam en gran parte de la gira europea, actuando en Badalona (España) el 1 de septiembre.
El primer single fue "Mind's Eye/Woman" que fue como una doble cara-A, y llego al numero 29 de las listas australianas en su lanzamiento al mercado. El disco llego a estar en el número 3 en las listas de Australia; y durante mucho tiempo se mantuvo en el Top 20, lo que provoco su triple disco de platino en su país. Otro de sus temas, "Dimension", se puede escuchar en el juego Rugby 2006 de EA sport, en la banda sonora del FlatOut 2, en la de Project Gotham Racing 4 y en el capítulo "Información Reservada" de la 3ª temporada de House. La canción "Pyramid" aparece también en el videojuego multiplataforma FlatOut 2.
Han participado también en la banda sonora original de la tercera entrega de Spiderman con la canción "Pleased To Meet You", y también en la banda sonora del juego Need For Speed Carbon con su canción "Joker and the Thief", que también aparece en Shrek Tercero y Jackass 2.
Discografia:Apple Records Productor:Richard Perry País:Reino Unido Duración:45:20
Temas: 1. I'm The Greatest. (John Lennon) – 3:21 Incluye a John Lennon en el piano, a George Harrison en la guitarra, a Klaus Voormann en el bajo y a Billy Preston en el órgano. 2. Have You Seen My Baby. (Randy Newman) – 3:44 Incluye a Marc Bolan en la guitarra y a James Booker en el piano 3. Photograph. (George Harrison/Richard Starkey) – 3:56 Incluye a George Harrison en la guitarra y coros 4. Sunshine Life For Me (Sail Away Raymond). (George Harrison) – 2:45 Incluye a miembros de The Band: Robbie Robertson en la guitarra, Levon Helm en la mandolina, Rick Danko en el violín y Garth Hudson en el acordeón, así como a George Harrison en la guitarra 5. You're Sixteen. (Bob Sherman/Dick Sherman) – 2:48 Incluye a Paul McCartney en la imitación del saxofón, así como a Linda McCartney y Harry Nilsson en los coros 6. Oh My My. (Vini Poncia/Richard Starkey) – 4:16 Incluye a Jimmy Calvert en la guitarr,a Tom Scott en el saxofón, y a Martha Reeves y Merry Clayton en los coros 7. Step Lightly. (Richard Starkey) – 3:15 8. Six O'Clock. (Paul McCartney) – 4:06 Incluye a Paul McCartney en el piano y sintetizador, a Linda McCartney en los coros y a Klaus Voormann en el bajo 9. Devil Woman. (Vini Poncia/Richard Starkey) – 3:50 Incluye a Richard Perry en los coros y a Tom Hensley en el piano 10. You and Me (Babe). (George Harrison/Mal Evans) – 4:59 Incluye a George Harrison en la guitarra 11. It Don't Come Easy. (Richard Starkey) - 3:02 Tema adicional en la reedición de 1991, originalmente editado como single en 1971 12. Early 1970. (Richard Starkey) - 2:20 Tema adicional en la reedición de 1991, originalmente editado como cara B del single 13. It Don't Come Easy" en 1971. 13. Down and Out. (Richard Starkey) - 3:04 Tema adicional en la reedición de 1991, originalmente editado como cara B del single "Photograph" en 1973.
Colaboraron en el álbum: Marc Bolan: Guitar Rick Danko: Fiddle, Violin George Harrison: Guitar, Guitar (Electric), Vocals (bckgr), Guitar (12 String), Harmony Vocals, Guitar (12 String Acoustic) Levon Helm: Mandolin Nicky Hopkins: Piano, Guitar (Electric), Piano (Electric) Jim Keltner: Drums John Lennon: Piano, Vocals, Harmony Vocals Linda McCartney: Vocals, Vocals (bckgr) Paul McCartney: Synthesizer, Piano, Keyboards, Saxophone, Vocals, Vocals (bckgr), String Arrangements, Flute Arrangement, Mouth Sax Harry Nilsson: Vocals, Vocals (bckgr) Richard Perry: Vocals, Vocals (bckgr), Producer Vini Poncia: Guitar (Acoustic), Percussion, Vocals, Vocals (bckgr), Harmony Vocals Billy Preston: Organ, Piano, Keyboards Robbie Robertson: Guitar Klaus Voormann: Bass, Vocals (bckgr), Bass (Upright), Lithography
"Ringo" es el tercer álbum en solitario de Ringo Starr, publicado en 1973. Es generalmente considerado como el mejor trabajo de Ringo e indiscutiblemente uno de los más conocidos de su carrera. "Ringo" es notable por sus numerosos artistas invitados, incluyendo por vez primera desde su disolución los tres miembros de The Beatles. Tras la publicación de los álbumes "Sentimental Journey" y "Beacoups of Blues", ambos en 1970, Ringo solo grabaría un par de singles en el intermedio que finalmente le llevaría a la publicación de "Ringo": uno de ellos, "It Don't Come Easy", en 1971; otro, "Back Off Boogaloo", en 1972. A pesar del éxito de ambos, Ringo declinó seguir adelante con nuevas grabaciones, prefiriendo concentrarse en su perfil filmográfico.
A comienzos de 1973, Ringo consideró oportuno comenzar un nuevo álbum diferente a los predecesores. Tras haber utilizado a Richard Perry para arreglar uno de los temas de "Sentimental Journey", Ringo le solicitó para producir las nuevas sesiones de grabación que darían comienzo en marzo. Tan pronto como Ringo llamó a sus amigos músicos para ayudarle en su nueva aventura, la mayoría de ellos respondieron con su presencia en el estudio de grabación. Tomando parte de las sesiones estuvieron Marc Bolan, Billy Preston, Klaus Voormann, Nicky Hopkins, Harry Nilsson, Jim Keltner y los tres antiguos componentes de "The Beatles" George Harrison, John Lennon y Paul McCartney aparecieron en el álbum y compusieron canciones para él, llegando a juntarse en un mismo estudio: Ringo, Lennon y Harrison para la grabación del tema "I'm The Greatest".
Cuando se hizo pública la presencia de los cuatro Beatles en la grabación de un álbum, los primeros rumores acerca de una posible reunión se hicieron patentes, si bien, en cierta medida, supuso el mayor acercamiento entre The Beatles hasta el proyecto Anthology en 1996.
La experiencia del álbum "Ringo" fue buena y agradable para Starr y para los músicos que se vieron involucrados en ella. Desde su publicación en noviembre, las reseñas fueron muy calurosas en su valoración, con "Ringo" alcanzando el puesto #7 en el Reino Unido y el #2 en Estados Unidos, convirtiéndose en disco de platino. Los singles "Photograph" y "You're Sixteen" llegaron al puesto #1 en Estados Unidos, mientras en el Reino Unido entraban entre los diez primeros.
"Ringo" fue remasterizado y reeditado en formato CD en 1991 con tres temas adicionales: el primer single de Ringo, "It Don't Come Easy", su cara B "Early 1970", así como el tema "Down And Out".
Derek And The Dominos - Layla And Other Assorted Love Songs. (1970)
Discografica:Polydor Productor:Tom Downd, The dominos País:Reino Unido Duración:76:25
Tracks: 1.I Looked Away. (Clapton/Whitlock) 2.Bell Bottom Blues. (Clapton) 3.Keep on Growing. (Clapton/Whitlock) 4.Nobody Knows You When You're Down and Ou.t (Cox) 5.I Am Yours. (Clapton/Nizami) - 6.Anyday. (Clapton/Whitlock) 7.Key to the Highway. (Broonzy/Segar) 8.Tell the Truth. (Clapton/Whitlock) 9.Why Does Love Got to Be So Sad?. (Clapton/Whitlock) 10.Have You Ever Loved a Woman. (Myles) 11.Little Wing. (Hendrix) 12.It's Too Late. (Willis) 13.Layla. (Clapton/Gordon) 14.Thorn Tree in the Garden. (Whitlock)
Band: Eric Clapton: Guitar, Vocals
Duane Allman: Guitar
Jim Gordon: Percussion, Piano, Drums
Carl Radle: Bass, Percussion
Bobby Whitlock: Organ, Guitar, Piano, Keyboards, Vocals
Pocas veces un disco definio tan bien a un momento y a una banda como este album, y pocas veces un heroe de la guitarra sono tan apasionado, intimo y descarnado como Clapton en este disco; y es por eso que aun hoy podemos considerar a "Layla and Other Assorted Love Songs" como un disco monumental, unico e historico, uno de esos albumnes que cambian la historia para siempre.
Derek & the Dominos fue un grupo formado por el guitarrista y cantante Eric Clapton . Este muchacho, nacido el 30 de marzo de 1945 en Ripley, Surrey, England; se junto junto a otros ex miembros de Delaney & Bonnie & Friends en la primavera de 1970 para iniciar otro proyecto musical. Asi, el resto de la agrupacion termino siendo Bobby Whitlock (nacido en 1948 en Memphis, Tennessie) en teclados y voces; Carl Radle (nacido en 1942 en Oklahoma City y fallecido el 30 de mayo de 1980) en bajo y Jim Gordon (1945, Los Angeles) en bateria. El grupo debuto en el Lyceum Ballroom en London el 14 de junio e inicio una gira por Inglaterra en ese mismo verano. Mas tarde, desde fines de agosto a principios de octubre, graban el celebrado album doble titulado "Layla and Other Assorted Love Songs" (editado en noviembre de 1970) con el estupendo guitarrista Duane Allman como invitado.
La historia de este supergrupo habia comenzado cuando Clapton buscaba un escape de las presiones existentes sobre su figura por ser considerado una "superstar" o "dios de la guitarra". Fue por eso que primero en 1969 acepto a pasar a ocupar un segundo plano en el excitante proyecto grupal de Blind Faith (en el cual Steve Winwood fue la cara mas visible). Luego del final de Blind Faith, Clapton acepta una invitacion por parte de Delaney & Bonnie para grabar un disco y participar de una gira como musico invitado (a principio de 1970). De este nucleo de musicos invitados de Delaney & Bonnie saldra el material y la formacion que poco despues grabaria "Layla & Other Assorted Love Songs". Ademas de los extraordinarios y experimentados musicos que participaron de la grabacion se une tambien uno de los mayores talentos de ese momento: Duane Allman. Este rubio, bigotudo y pelilargo habia fascinado a Clapton que pidio encarecidamente que participara del disco diciendo "Quien es ese tipo...?, como consigue tocar asi...?, por favor, presentenmelo...". Sin dudas, que la espectacular forma de tocar el slide guitar de Allman inpulso a Clapton a una nueva dimension musical.
Tambien hay que recordar que en esa epoca, Clapton estaba bastante perturbado emocionalmente (y bastante desesperado) ya que le habia pasado una de las peores cosas que le pueden pasar a un hombre: se habia enamorado de Patti Boyd, la esposa de su mejor amigo, George Harrison, y todo ese dolor que sentia impregno el sentimiento y todo el aura que rodea a "Layla", en especial a la cancion que le da titulo al disco, dedicada indisimuladamente a Boyd.
Justamente el titulo de "Layla" deviene de un poema persa de amor llamado "Layla y Majnum" que relata la obsesion amorosa de un hombre hacia una mujer casada.
Clapton habia leido ese poema en esa epoca y entonces para el Patti paso a convertirse en su "Layla". Es curiosa la historia de la Boyd y de las pasiones que desato ya que no debe haber muchas mujeres en todo el mundo que sean capaces de inspirar dos de las mejores canciones que se hayan escrito jamas en la historia de la musica popular... nos referimos obviamente a la ya nombrada "Layla" y a la anterior "Something" (por parte de Harrison). En lo que respecta a la primera, debemos decir que "Layla" es uno de los temas mas paradigmaticos sentimentales y poderosos escritos jamas por Clapton, sin olvidarnos de la emocionante coda en donde predomina la parte de piano escrita por Jim Gordon.
Estas dos partes, la poderosa y desesperada inicial mas la sutil y calma del final son las dos caras de un tema perfecto.
Este impresionante disco contiene tambien estandars como el gran blues de Buddy Miles "Have You Ever Loved a Woman" (que tambien habla acerca de una historia de amor prohibida hacia "la mujer del mejor amigo") y "Nobody Knows You (When You're Down and Out)". En el disco tambien fue muy importante la presencia de Bobby Whitlock, en temas como "Any Day", "Why Does Love Got to Be So Sad?" y (principalmente) el final del disco con su "Thorn Tree in the Garden", todas piezas con una gran cuota de pasion.
Tampoco debemos olvidar la soberbia version que hizo el grupo del tema "Little Wing" de Hendrix, un emotivo y merecido homenaje hacia ese mago de las seis cuerdas muerto justo cuando Clapton y Cia. grababan este disco.
Luego de finalizar las grabaciones. Derek & The Dominos volvio a girar por Inglaterra y U.S.A., dando su ultimo concierto el 6 de diciembre.
Ya editado, el album "Layla" fue un gran suceso en U.S.A,, donde la emotiva "Bell Bottom Blues" y "Layla" rankearon en el mercado de singles de la mano de sus versiones abreviadas. Curiosamente, no tuvieron tanta fortuna en la lista de exitos britanica.
Despues de esto, The Dominos se volvio a juntar para grabar un segundo album en mayo de 1971, pero se separaron antes de poder completarlo, ya que los problemas de salud (y adiccion) de Eric se volvieron cronicos. Clapton entonces se retiro del negocio de la musica, hundiendose, mas y mas, en su adiccion a la heroina de la que saldria recien dos años despues gracias a la ayuda de amigos y a la acunpuntura. Durante su ausencia, se produce la lamentable y prematura muerte de Allman en un accidente de moto el 29 de octubre de 1971. Este suceso contribuyo a cimentar a Los Dominos y a Layla como un momento antologico de toda la historia del Rock. Y no era para menos...
Por eso mas tarde cuando fue re-editada como single, en su version full de siete minutos en el compilado "History of Eric Clapton" en marzo de 1972, "Layla" llego muy rapido al "Top Ten" en ambas costas del Atlantico.
Continuando con la "necrologia" y "homenajes", mas tarde se edito un album en vivo llamado "Derek and the Dominos in Concert" (en enero de 1973), sacado de grabaciones efectuadas duarante el tour norteamericano de 1970.
Este disco tambien tuvo mucho exito.
Discografia:EMI Productor: Queen, David Richards País:Reino Unido Duración:53:44
Tracks: 1. Innuendo. 2. I'm Going Slightly Mad. 3. Headlong. 4. I Can't Live With You. 5. Don't Try So Hard. 6. Ride The Wild Wind. 7. All God's People. 8. These Are The Days Of Our Lives. 9. Delilah. 10. The Hitman. 11. Bijou. 12. The Show Must Go On.
Band: Freddie Mercury: Vocals, Keyboards Brian May: Guitars, Keyboards, Vocals John Deacon: Bass, Keyboards Roger Taylor: Drums, Percussion, Keyboards, Vocals
Músicos Invitados: Steve Howe: Guitarra acústica (en "Innuendo") Mike Moran: Piano, Sintetizadores(en "All God's People")
Este es el último álbum de la banda publicado mientras su vocalista, Freddie Mercury estaba con vida. Este álbum alcanzó la posición número uno en las listas en Reino Unido, y se mantuvo ahí durante dos semanas. Fue aclamado por parte de la crítica, la cual dijo que Queen se había superado a sí mismo. El single del mismo nombre del álbum fue un éxito arrollador en todo el mundo. Mención especial merece el éxito logrado por el álbum al margen del Reino Unido. En Holanda, llegó al número uno, y se mantuvo en esa posición durante cuatro semanas; también llegó a lo más alto en Suiza (ocho semanas), donde obtuvo la certificación de doble platino; en Alemania estuvo seis semanas al tope de los charts (disco de platino por 500.000 unidades vendidas). También llegó al número uno en Italia, durante dos semanas, donde vendió 400.000 copias sólo durante 1991, y a lo más alto en Finlandia.
Grabado con las dificultades generadas por la enfermedad casi terminal del cantante, el disco tiene un sabor a despedida que es el aspecto mas notable junto a su caracter "atemporal". Era un disco ajeno a cualquier moda,casi inclasificable,salvo como -simplemente-lo ultimo y muy bueno de Queen.
El disco se abre con el impresionante "Innuendo",fastuoso,cautivante,potente y por supuesto muy inspirado por "Kashmir" de Zeppelin (no en vano en el Tributo a Mercury,Robert Plant canto o intento cantar esta cancion añadiendo versos de "Kashmir"). Alli esta la guitarra española de Steve Howe,un verdadero lujo y el colaborador mas notable y notorio que honrara a Queen desde Bowie. "I'm Going Slightly Mad" es otro tema clasico,un clima dramatico e ironico a la vez,generado desde los teclados."Finalmente ha ocurrido" dice Freddie refiriendose a la locura,pero es imposible no pensar que se referia a su lenta descomposicion.Un poco usual solo de May en guitarra slide,levemente "harrisoniano",y una melodia hipnotica y obsesiva. "Headlong" representa un pequeño "alivio" de tensiones con el tipico hard-rock a lo May,ligero,buenas guitarreadas y una tonada pegadiza. "I Can't live with you" tiene una onda por momentos mas dura y mas lenta,con un excelente trabajo de guitarra tanto en lo ritmico como en el solo,complementando el buen hacer de Freddie con frases muy en caja que recuerdan un poco a Eddie Van Halen-sin comparaciones odiosas. "Don't Try so Hard" retoma un melodramatismo que solo un cantante como Freddie Mercury puede asumir con credibilidad. Parece mentira que en sus condiciones,alguien pueda cantar con tantos matices. Cuando las incursiones "ritmicas" de Queen han estado apuntaladas por una melodia agradable,el toque "hard" de la Red Special de Brian May,y la potencia de una de las bases ritmicas menos apreciadas de la escena rock,como la constituida por esos dos grandes musicos que son Roger Taylor y John Deacon,los resultados no han sido para nada desagradables y es eso lo que ocurre con "Ride the Wild Wind",para mayor gloria de John y Roger. Atrapante,uno siente que viaja en un coche de carreras o en un tren bala. Algo pasada de revoluciones y cierta estridencia,"All God's People" es uno de los momentos menos memorables,con sabor a ejercicio de estilo y poco mas que eso. De inmediato aparece otra de las joyas del disco,"These Are the Days Of Our Lives",una bella cancion que toma lo mejor de la faz melodica de la banda,su toque pop y el sentimentalismo a niveles equilibrados.En el video de este tema,Freddie hace una venia final a sus fans diciendoles "I still love you",como en la inolvidable "Love of my Life". Y es una pena que un momento tan calido tenga que ceder paso a una flatu- lenta tonada llamada "Delilah",muestra del mal gusto al que a veces no eran ajenos.Sin duda capricho de Freddie aceptado en consideracion a su estado,es realmente irritante.Los "miaaauu" de Freddie,complementados por otros "miaaauu",esta vez de la guitarra de May,parecen sacados de los sobrantes-si es que los hubo-del infame "Hot Space". "The Hitman" recupera en algo el nivel,pero no es mejor que "All God's...". Dispuestos al tramo final,tenemos ahora si un recreo de guitarra May-ana en "Bijou",y una frases cortas de Freddie que suenan otra vez a despedida. Triste,muy triste. Si el canto de Freddie y en general el trabajo de toda la banda en este disco generan comentarios del tipo "nunca estuvo tan genial" o algo por el estilo,"The Show Must Go On" es tal vez el punto mas alto,la cumbre de las cumbres. Compuesta principalmente por May y no por Mercury como muchos creen,esta es una cancion conmovedora,de gran calidad y motivo de una de las interpretaciones mas apasionadas y apasionantes de Queen en toda su historia.Hasta el eco final ("go on-go on-go on")resulta sobrecogedor.Un gran cierre. Al filo de su hora final,Queen lego un album que lo reconciliaba con lo mejor de su historia,y si habia que irse a lo grande,este disco lo consiguio,aunque hayan uno o dos temas que bien pudieron ser evitados. En todo caso,a los grandes se les perdona siempre alguna inconsistencia. Si bien no hay números oficiales, este álbum vendió más o menos 5.000.000 de copias.
Discografica: Geffen Productor: Mike Stone País: Reino Unido Duración: 43:54
Band: Geoffrey Downes: Keyboard, vocals Steve Howe: Guitars, vocals John Wetton: Lead Vocal, bass Carl Palmer: Drums, percussion
Tracks: 1. HEAT OF THE MOMENT 2. ONLY TIME WILL TELL 3. SOLE SURVIVOR 4. ONE STEP CLOSER 5. TIME AGAIN 6. WILDEST DREAMS 7. WITHOUT YOU 8. CUTTING IT FINE 9. HERE COMES THE FEELING
El grupo surge en una época en la que varias de las principales bandas de rock progresivo británico, como Yes o Emerson, Lake and Palmer, se encuentran estancadas o envueltas en rumores de separación. Tras la ruptura de King Crimson en 1974 comienzan a surgir planes de crear una superbanda, lo cual intenta en un primer momento el bajista John Wetton junto a Bill Bruford y Rick Wakeman en 1976, sin grandes resultados. En 1977 Bruford y Wetton se reunieron con el guitarrista Allan Holdsworth y el teclista/violinista Eddie Jobson. Este proyecto funcionó un poco más, aunque en 1980 fracasaba nuevamente. A la tercera intentona de John Wetton surge un combo junto a Wakeman, el baterista Carl Palmer y el guitarrista Trevor Rabin.
Sin embargo, rápidamente Wakeman decidió centrarse en sus proyectos como solista y nunca llegaron a tocar juntos. En 1981 Wetton y el guitarrista Steve Howe (Yes) se conocen y empiezan a pensar en un nuevo proyecto. Así es como surge definitivamente Asia, ya que rápidamente se enrolaron en el proyecto Geoff Downes y Carl Palmer. El ya citado Trevor Rabin fue considerado para grabar algunas demos, pero finalmente no se quedó en el grupo. Surgió la posibilidad de que se incorporaran Chris Squire y Alan White, pero definitivamente Wetton y compañía decidieron permanecer como un cuarteto. En los primeros años la crítica se ensañó con ellos y no tuvieron el reconocimiento que hoy en día tienen. Los fans tradicionales del rock progresivo encontraron su música cercana a la que suena en las radio fórmulas, por lo que se les tachó de comerciales. Tal y como se ha mencionado su álbum debut (homónimo) fue criticado por los fans más tradicionales por su música excesivamente comercial, y más a raíz del considerable éxito en ventas que tuvo. Estuvo nueve semanas como número uno en la lista de los más vendidos americanos, y singles como "Only time will tell" o "Heat of the Moment" llegaron a lo más alto de los más prestigiosos tops.
Las canciones de este disco debut siguen sonando actualmente en emisoras de rock clásico. Este LP es considerado como uno de los discos de culto del rock. El tour de presentación del mismo, llevado a cabo en Estados Unidos en los años 1982 y 1983, fue todo un éxito, y Billboard los reconoció como el mejor grupo debutante del año.
Tracks: 1.- Aces High 2.- 2 Minutes to Midnight 3.- Losfer Words (Big 'Orra) [Instrumental] 4.- Flash of the Blade 5.- Duellists 6.- Back in the Village 7.- Powerslave 8.- Rime of the Ancient Mariner
Band: Bruce Dickinson: Vocals Steve Harris: Bass, Vocals David Murray: Guitar Adrian Smith: Guitar, Vocals Nicko McBrain: Drums
"Powerslave" es uno de mis favoritos de Maiden en dura pugna con "Seventh Son Of Seventh" y "Peace Of Mind". Fue lo segundo que escuche de ellos tras el archiconocido "The Number Of The Beast" y desde entonces comenzaron a llegar un tras otro.
Con una portada de escandalo!. En lugar de los 4 Ramseses II tenemos un Eddie gigantesco encastrado en una pirámide descomunal escoltado por dos chacales de cuerpo humano a los lados y dos esfinges a sus pies, con una escalinata que se pierde en la entrepierna de la mascota donde hay una cripta que se supone que va a albergar su cuerpo descerebrado.
El disco gozaba de una producción clara y cristalina, sin que eso echara por tierra el lado más agresivo y heavy. Las guitarras de Dave Murray y Adrian Smith se volvieron más protagonistas que nunca en el sonido de la banda, explotando el estandarte del sonido de guitarras dobladas hasta límites insospechados. La melodía principal del tema que abría el disco, “Aces High”, estaba construída sobre una base de guitarras-twin, mientras que otros como “Losfer Words”, “Flash Of The Blade” o “The Duellists” tenían esa misma característica en el sonido del tema.
“Powerslave” tuvo como ventaja el contener dos canciones que se convertirían en clásicos inevitables y singles de gran éxito. Además del ya mencionado “Aces High”, el disco también contenía el celebérrimo “Two Minutes To midnight”, uno de los primeros temas realmente pegadizos que la banda dio a luz. Y es que por mucho que “Run To The Hills” fuera un hit-single en potencia o “The Trooper” un himno a punto de nacer, “Two Minutes To Midnight” poseía la necesaria pulcritud que una canción necesita para comerse el mercado americano.
“Powerslave” ostenta aún a dia de hoy el hecho de haber sido el último disco de IRON MAIDEN en tener un tema instrumental. Se trata del infravalorado “Losfer Words (‘Big ‘Orra), que fue interpretado apenas unas cuantas veces durante la subsiguiente gira y posteriormente olvidado en el baul de los recuerdos. La manera en que Smith y Murray interactuan con sus guitarras en dicha canción es harto interesante y demuestra el alto grado de compenetración que ambos instrumentistas tienen. Y, sin que suene ofensivo, poder escuchar una pieza completa sin los gorgoritos de Dickinson es algo poco común y por tanto, digno de ser disfrutado.
Entre otras curiosidades, el disco poséia la canción más larga que jamás registraron IRON MAIDEN, la ya por todos conocida “The Rime Of The Ancient Mariner”. Se trata de una canción épica, de más de trece minutos y medio de duración, en la que la banda construyó una composición galopante sobre los versos de un poema de Samuel Taylor Coleridge, uno de los fundadores del movimiento romantico en Inglaterra y autor de obras como “Christabel”. Después del fracaso de la banda intentando que Frank Herbert permitiera que una de sus canciones se llamará “Dune”, como su afamada novela, la banda parece que decidió optar por utilizar material de artistas ya fallecidos para evitarse problemas.
Otro de los protagonistas indiscutibles del disco es, evidentemente, un Bruce Dickinson que cada vez subía más y más enteros hasta hacerse con el trofeo de mejor vocalista del Heavy Metal. Su estilo seguía enriqueciendose, llenandose de guiños operísticos pero a la vez explotando todos los matices –especialmente los agudos- que su voz tenía que ofrecer. Si bien en “Piece Of Mind” cantaba demasiado agudo por momentos – llegando al zénit en la versión de JETHRO TULL que la banda hizo en la cara B de cierto single- en “Powerslave” consigue utilizar otras tonalidades que denotan su versatilidad como músico. En otras palabras, hay agudos (“Aces High”) pero también hay agresividad contenida y tonos medios (“Powerslave”), demostrando que en la variedad está el gusto.
Las Canciones:
Aces High: es un homenaje a los cazas que defendieron Londres de los bombardeos Nazis de la Segunda Guerra Mundial, y sirve como un trepidante aperitivo, de vertiginoso ritmo, y donde Dickinson muestra su pulcritud vocal.
2 Minutes to Midnight: Toda una proclama antimilitar, antinuclear y ... antiabortista, y es junto a Run to the hills el single por antonomasia del grupo. Uno de los clásicos
Losfer Words: Un tema instrumental, que no tiene la energía de Transylvania y Genghis Khan porque es distinto, más acorde con el carácter general del álbum.
Flash Of The Blade: Bueno, la mini-épica historia de una especie de Conan o algo así. Contiene toda la esencia Maiden en envase para llevar.
The Duellists: Un poco más épico que el anterior, habla de los susceptibles tiradores de esgrima de aquella época en la que se arrojaban el guante y al final alguno terminaba hecho un pincho cristiano. Tiene un estribillo espléndido y una parte instrumental muy destacable, como siempre.
Back In The Village: Excelente riff inicial, pero queda sepultada por lo que viene a continuación.
Powerslave: Aquí Harris y los suyos cabalgan de nuevo esta vez a lomos de camellos, que es lo que le da ese carácter arabesco al tema, para ilustrarnos sobre la obsesión de un faraón que contempla cómo la muerte se acerca. La parte instrumental central es puuura crema, absolutamente memorable.
Rime Of The Ancient Mariner: Para mí lo mejor del albúm. 13 minutos de canción, se pasaban en un suspiro, gracias a la riqueza melódica y las variaciones continuas que contiene. La letra, basada en un poema del romántico Samuel Taylor Coleridge cuenta la aventura de unos marineros que tiran para el Sur (hacia la Antártida, según lo describe). Uno de ellos se carga un albatros que les iba acompañando, lo cual era considerado de mal agüero y a consecuencia de ello sufren una maldición que les convierte en muertos en vida o algo así. Un colofón inmejorable a un disco ideal para descubrir qué se cocía en el heavy de los ochenta.
Discografica: Apple Records (EMI) Producido: George Matin País: Reino Unido Duración: 47:26
Band: John Lennon: Voices, Guitar, piano. Paul McCartney: Voices, Bass, guitar, piano. George Harrison: Voices, guitar. Ringo Starr: Drums, voices
Tracks: "Come Together" — 4:20 "Something" (Harrison) — 3:03 "Maxwell's Silver Hammer" — 3:27 "Oh! Darling" — 3:26 "Octopus's Garden" (Starr) — 2:51 "I Want You (She's So Heavy)" — 7:47 "Here Comes the Sun" (Harrison) — 3:05 "Because" — 2:45 "You Never Give Me Your Money" — 4:02 "Sun King" — 2:26 "Mean Mr. Mustard" — 1:06 "Polythene Pam" — 1:12 "She Came in Through the Bathroom Window" — 1:57 "Golden Slumbers" — 1:31 "Carry That Weight" — 1:36 "The End" — 2:19 "Her majesty" (pista oculta) - 0:23
Abbey Road es un álbum que muchos consideran la obra cumbre del grupo británico The Beatles, editado en el año 1969. Fue lanzado el 26 de septiembre de 1969 en Inglaterra, y el 1 de octubre del mismo año en los Estados Unidos. Fue producido y orquestado por George Martin para Apple Records, con Geoff Emerick como ingeniero de grabación y Tony Banks como operador de cinta. Participó también, como asistente de grabación, Alan Parsons. Contiene algunas de las más reconocidas canciones del grupo, como "Something", "Come Together", "Oh! Darling" y "Here Comes the Sun". Se trata del último disco que los Beatles hicieron como conjunto, ya que Let It Be, lanzado en el año siguiente, había sido grabado con anterioridad.
Tras las sesiones de grabación de Let it Be, los Beatles habían alcanzado el punto más bajo de su carrera como grupo. Sus caminos poco a poco se separaban y cada uno pensaba ya en las cosas que podían hacer por su cuenta y en solitario. Sin embargo, se acordó realizar un último esfuerzo para recuperar el espíritu Beatle grabando un nuevo álbum. Se dice que con esta intención, Paul McCartney llamó a George Martin con el objetivo de grabar una última vez "como en los viejos tiempos". Martin aceptó la oferta, poniendo como condición que el trabajo se realizara "como solía ser", y el resultado final fue este álbum.
Los dos lados del álbum son algo diferentes en cuanto a su carácter, y fueron diseñados para acomodar en un solo disco los puntos de vista divergentes de McCartney y John Lennon. El lado A (para complacer a Lennon) es una colección de canciones sueltas, mientras el lado B (para complacer a McCartney) consiste en una larga serie de composiciones, muchas de ellas relativamente cortas, y unidas entre sí por "puentes" musicales.
Con mayor dedicación y esfuerzo comenzaron los Beatles las grabaciones para Abbey Road. El método de trabajo de hecho cambió, y cada Beatle usaba a los otros como excepcionales músicos de estudio en sus propias canciones. El resultado, sin embargo, fue lo que los críticos han considerado uno de los mejores álbumes en su carrera, tanto en el aspecto técnico como en el creativo.
Una de la características más destacables del LP es la portada. Seguramente se equipara a la del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) en el número de veces que ha sido imitada, aunque esencialmente fue fruto de la improvisación.
El título del álbum corresponde por supuesto, a los estudios de EMI en Abbey Road, Londres, donde los Beatles grabaron casi la totalidad de sus canciones. El LP iba a llamarse Everest, en honor a la marca de cigarrillos que fumaba Geoff Emerick. De hecho, se planificó un viaje al Himalaya para fotografiar la portada.
Sin embargo, a medida que el disco parecía más cercano a su conclusión, alguien dijo "oye, ¿por qué no salimos ahí fuera, hacemos la foto de la portada, y llamamos el disco simplemente Abbey Road?". Y el 8 de agosto, el fotógrafo Ian McMillan se subió a una pequeña escalerilla para hacer la foto de los cuatro Beatles cruzando el paso de cebra más universal de todos.
Abbey Road tiene bastante tráfico, y tan solo se sacaron 6 fotos. El Volkswagen (con la matrícula LMW 28IF) solía estar aparcado allí a menudo y era propiedad de alguien que vivía en los pisos de al lado del estudio. Los trajes, eran simplemente los que llevaban los Beatles ese día al estudio. McCartney, que vivía bastante cerca, había aparecido con sandalias, y de hecho en alguna de las fotos las lleva puestas. Simplemente como una última curiosidad, la contraportada del LP corresponde a un cartel de la calle que desapareció hace tiempo. La palabra BEATLES se añadió posteriormente a una foto del cartel también de Ian McMillan. La mancha borrosa azul que se ve a la derecha es de hecho una chica con vestido corto y bonitas piernas.
Come Together (Lennon)
John:Guitarra Rítmica, Guitarra Solista, Pandereta y Voz Paul: Bajo, Piano Electrico y Voces George:Guitarra Solista y Maracas Ringo:Batería
Come Together fue escrita por John para Timothy Leary, quien pretndía presentarse a Gobernador de California en 1969, curiosamente contra Ronald Reagan. El eslogan de la campaña era "Come together, join the party". La versión original de Come Together tenía una letra diferente (Come together, right now. Don't come tomorrow, Don't come alone...) Leary que había estado presente en la grabación del "Give Peace a Chance" en Montreal, se llevó de allí una demo que John había grabado con su guitarra y la distribuyó por varias emisoras de radio. Sin embargo, y cuando Leary finalmente abandonó su carrera a la gobernación, John cambió el estilo y la letra de la canción y decidió grabarla para Abbey Road. Dos de las frases de la canción, referidas al "old flat top" fueron un tributo a una canción de Chuck Berry "You can't catch me". De hecho, el editor de la canción pensó que era plagio y pretendía demandar a Lennon. Finalmente, John aceptó grabar varias de las canciones del catálogo del editor (una de las razones fundamenteales para grabar el "John Lennon Rock & Roll", donde se incluyeron "You Can't Catch Me" y "Sweet Little Sixteen")
Something (Harrison)
John: Guitarra Electrica Paul: Bajo y Voces George:Guitarra Solista y Voz Ringo: Batería Billy Preston: Piano 21 Músicos de Estudio: Arreglos Orquestales
Abbey Road vio por fin la explosión de George Harrison, y con Something y Here Comes the Sun, probablemente consiguiera las dos canciones más conocidas del disco. Estya brillante trayectoria se vería culminada meses más tarde con la aparición de su maravilloso triple álbum en solitario "All Things Must Pass". Cuando a Paul McCartney se le comentó sobre el disco que "era tan bueno como el Pepper", Paul respondió "No, no creo que sea tan bueno como el Pepper. Pero me gusta la canción de George. Creo que es la mejor canción que nunca ha escrito". De hecho, Something se ha convertido en la segunda canción más versioneada de los Beatles, superada tan solo por Yesterday. Sin duda una obra maestra. George escribió Something inspirado en su bella mujer Pattie. El vídeo de la canción mostraba a los cuatro Beatles con sus novias o esposas en ese momento. Sin embargo, la frase inicial de la canción fue probablemente tomada por Geotge de una canción de James Taylor (Something in the way she moves). La canción fue compuesta durante las grabaciones del Album Blanco pero llegó demasiado tarde para que apareciese en el. Posteriormente, George se olvidó un poco de ella, y la ofreció a Joe Cocker y Jackie Lomax para que hicieran versiones, hasta que por fin decidió grabarla con los Beatles para Abbey Road. Una vez más una canción perfecta es culminada por los arreglos orquestales excepcionales de George Martin, el bajo de Paul, la magnífica batería de Ringo y el solo de George, simple pero espléndido. Something fue editada como un single de doble cara A junto con Come Together.
Maxwell's Silver Hammer (McCartney)
John: Guitarra Acústica y Guitarra Solista Paul: Bajo, Piano, Sintetizador y Voz George: Guitarra Solista y Voces Ringo: Batería, Yunque y Voces George Martin: Órgano Hammond
Maxwell's silver Hammer es otra canción de estilo Vaudeville de Paul. Aparentemente, y según John, la canción iba sobre la ley del karma, en la cual "en el momento que haces algo que no es correcto,el martillo plateado de Maxwell te dará en la cabeza".John insistiría más tarde en la idea con "Instant Karma". Cuando a Paul se le preguntó sobre la canción, dijo que describía los altibajos de la vida. "Precisamente cuando todo va de maravilla, viene el martillo plateado de Maxwell y bang bang, lo estropea todo".
Oh! Darling (McCarthey)
John: Piano y Voces Paul: Bajo, Guitarra Eléctrica, Piano, y Voz George:Guitarra Solista y Voces Ringo: Batería
Oh! Darling es simplemente una de esas grandes canciones que te emocionan en el momento en el que empiezas a escucharlas. El increible trabajo con la voz de los tres Beatles (Paul con la principal y John y George haciéndole las voces) y la simple pero efectiva instrumentación llegan al corazón del que la esucha cada vez. La voz de Paul, tal vez en un intento de llegar al estilo de John, es fantástica. De hecho, Paul quería que sonrar como si hubiera estado toda la semana en el escenario, así que cada día caminaba desde su casa a Abbey Road para realizar tan sólo una grabación de la voz, repitiéndolo durante una semana. Finalmente consiguió el resultado esperado. Escuchar la voz de Paul en Oh! Darling a capella (sin instrumentos) es una experiencia casi mística, que aunque ha aparecido en discos piratas, es una pieza que desafortunadamente la Anthology 3 no incluyó.
Octopus's Garden (Starkey)
Lennon: Guitarra Solista Paul: Bajo, Piano y Voces George: Guitarra Solista y Voces Ringo Starr: Batería, percusión y Voz
La segunda y última canción de Ringo en un álbum de los Beatles encajó perfectamente en Abbey Road. Aunque la habilidad de Ringo como compositor nunca ha sido destacada, Octopus's Garden es una gran canción. Tiene la extraña habilidad de hacerle a uno feliz, con ese ritmo saltarín, el piano casi de Honky-Tonk y las grandes frases a la guitarra de George. Las voces de Paul y George se pasaron a través de compresores y limitadores para crear el efecto de burbujeo. Finalmente, Ringo también decidió añadir el sonido de burbujas sopladas a través de una pajita en un vaso de agua. A Ringo se le ocurrió la idea para Octopus's Garden durante unas vacaciones en barco en Cerdeña en 1968. Tras rechazar una comida a base de pulpo, el capitán le comentó como los pulpos iban por el lecho marino coleccionando objetos para construir jardines. El tema de la canción, y la voz de Ringo junto con los graciosos efectos de sonido, suelen llevar a la gente a compararla con Yellow Submarine.
I Want You (She's So Heavy) (Lennon)
John: Varias Guitarras, Órgano Hammond, Sintetizador Moog, Generador de Ruidos Blanco y Voz Paul: Bajo y Voces George: Varias Guitarras, Conga y Voces Ringo:Batería
I Want You era una canción de amor deJohn para Yoko. La idea era conseguir una canción lo más simple posible, para que así fuera superior a Eleanor Rigby y I am the Walrus. De hecho, la manera de entender el arte de Yoko, puede que tuviera bastante influencia en John que aqui podría estar intentando llevar el minimalismo a la música pop. La grabación de I Want You comenzó en Febrero, meses antes de que el proyecto Abbey Road lo hiciera, y con Let It Be aun sin terminar. En ese punto de tomas tempranas, incluso Paul intentó cantarla, aunque debemos admitir que la canción no hubiera sido la misma sin la voz de John. La progresión del bajo y de la guitarra marcan fuertemente la canción, y su final se prolonga a más de 7 minutos, convirtiéndola en uno de los cortes más largos grabados por los Beatles (tan solo Revolution 9 es más largo). Al final de la canción, el ruido se incrementa con un generador de ruido blanco utilizado por John. Todo se corta de repente en mitad de una frase, y sin saber como sale el sol...
Here Comes The Sun (Harrison)
Paul: Bajo y Voces George: Guitarra Acústica, Guitarra Solista, Harmonio, Sintetizador, Palmas y Voz Ringo:Batería Músicos de Estudio: Orquesta de 17 músicos
Conforme los asuntos de los Beatles se ponían más y más feos (todos excepto Paul habían votado a favor de Allen Klein como su manager, y se producían constantes reuniones en Apple para negociar la situación. George sintió un día que había oido suficiente y se lo tomó libre. Visitó a su amigo Eric Clapton en Surrey. Mientras caminaba por el jardín se sintió feliz simplemente por caminar bajo el sol (lo que es más que comprensible si habéis vivido en Inglaterra. Creedme, uno ES feliz cuando sale el sol, y entonces, y solo entonces entiende a George). Tal y como dijo George, estaba feliz de pasear bajo el sol, y la canción le vino a la cabeza. La canción de principio a fin es simplemente una obra maestra. La alegría se escapa a través de las notas de la increible guitarra acústica (grabada con notable perfección), y una vez más, la orquestación es perfecta. Todas las piezas encajan a la perfección, con Paul cantando las voces agudas, dándole el toque final.
Because (Lennon)
John: Guitarra Solista y Voces Paul: Bajo y Voces George: Voces Ringo: Ritmo George Martin: Clavicordio Eléctrico Baldwin Spinet
La canción definitiva en lo que respecta a las armonías vocales fue escrita por John para Abbey Road. Uno nunca se cansa de oir a los 3 fabs fundiendo de manera absoluta sus voces en esta canción. Desconocida para muchos hasta que apareció el Anthology 3, donde todas las voces pueden oirse sin música, Because es una de esas grandes canciones que a todo el mundo le encanta. Nuevamente, y probando que podía escribir otras cosas aparte de rock, John estaba un día escuchando a Yoko tocar en el piano la sonata Claro de Luna (sonata para piano en Do sostenido, opus 27, número 2) de Beethoven. Una experiencia maravillosa que todos deberíais probar. obtuvo primero los acordes y luego escribió la letra. Cuando llegaron al estudio, lo primero que grabaron fue la pista base, con Ringo llevando el ritmo en el hi-hatt (trabajó de metrónomo ese día). Las voces se grabaron luego. Un total de ¡¡¡9!!!. Por supuesto que crear una armonía de 9 voces no es un ejercicio musical trivial, y a partir de la tercera, George Martin les decía las notas que debían cantar. El resultado le deja a uno sin aliento.
You Never Give Me Your Money (McCartney)
John: Guitarra Solista y Voces Paul: Bajo, Piano, Pandereta, Campanillas y Voz George: Guitarra Solista y Voces Ringo: Batería
You Never Give Me Your Money representa el comienzo del mundialmente famoso Medley de canciones de Abbey Road. Aparentemente la idea del medley fue en parte de George Martin que se lo sugirió a Paul. De hecho YOu Never Give Me Your Money es en si misma una combinación de cuatro canciones. You Never Give Me Your Money da comienzo al tema, con Paul al Piano. Fue escrita en relación a los problemas financieros de los Beatles en auqel tiempo. De hecho George dijo que todo lo que les daban em lugar de dinero era "papel gracioso (funny paper)" en el que les decían lo que habían ganado. Pero conseguir el efectivo era casi imposible. Las otras canciones son That Magic Feeling, One Sweet Dream, y la cuarta parte que llega cuando la canción va desapareciendo el trozo con el "one, two, three, four, five, six seven, all good children go to heaven". En tomas tempranas de la canción, no tenía este final, y paraba de repente (supuestamente para ser seguida por otra canción del medley). Sin embargo conforme esta última parte se extingue, se oye el sonido de los grillos que inmediatamente nos lleva a
Sun King (Lennon)
John: Guitarra Rítmica, Órgano y Voz Paul: Bajo, Piano y Voces George: Guitarra Solista y Voces Ringo: Batería y Percusión
John dijo que Sun King le había venido en un sueño. La letra, una mezcla de español, italiano y portugués no tienen ningíun significado en concreto. Sin embargo es cierto que al menos es una de las dos canciones en las que los Beatles cantaron frases en castellano (Besame Mucho y Sun King) aunque se podría añadir a la lista Los Paranoias (que no era un título de trabajo de Sun King como algún autor comenta y como todos pudimos ver en la Anthology 3. Estoy bastante convencido, de uqe la mayoría de las frases que se escuchan en castellano tienen que ver con Paul. Casi todas tienen apecto de venir de frases completas, y Paul era el que sabía algo de español (tal y como ha demostrado a menudo). Aquí está la traducción de las mayoría de las palabras en la canción:
Mean Mr. Mustard (Lennon)
John: Guitarra Rítmica, Organo y Voz Paul: Bajo, Piano y Voces George: Guitarra Solista y Voces Ringo: Batería y Percusión
Tal y como aparecen en el Medley, Sun King y Mr. Mustard fueron grabadas al mismo tiempo, así que no hubo que editar demasiado para juntarlas (no hubo que editar nada de hecho). John escribió Mean Mr. Mustard mientras estaba en la India, y la inspiración le llegó a través de un periódico en el que se conatba la historia de un hombre que trataba por todos los medios de conservar su dinero sin gastar un solo centavo. Por supuesto, Mr. Mustard tenía una hermana, y aunque originalmente se llamaba Shirley Mustard, pasó luego a ser Pam Mustard...
Polythene Pam (Lennon)
John: Guitarra Acústica de 12 cuerdas, Piano Eléctrico y Voz Paul: Bajo, Piano y Voces George: Guitarra Acústica, Guitarra Solista y Voces Ringo: Betería y Percusión Y esta vez la inspiración para Polythene Pam, de acuerdo con Steve Turner en su libro "A Hard Day's Write" vino de dos fuentes. La primera de ellas era una fan los días en The Cavern llamada Pat Hodgett. Pat coemnzó con el hábito de comer Polietileno, y acabó siendo llamada al final "Polythene Pat". La otra fuente de inspiración trataba sobre la parte de vestirse con botas y falda escocesa y en bolsas de polietileno (jackboots and kilt and in polythene bags). Una noche, Royston Ellis, su noviaStephanie y John fueron al apartamento de Ellis donde se supone que se vistieron todos con bolsas de polietileno y durmieron en la misma cama. Aparentemente no pasó nada demasiado emocionante, y sin embargo 6 años después John lo utilizó para escribir esta magnífica canción. Tan corta como nos parece a casi todos Polyhene Pam, ya que nos gustaría que durara un par de minutos más, es suficientemente larga como para elevar el ritmo medio del medley (Sun King es silenciosa y lenta, Mean Mr. Mustard acelera un poco y Polythene Pam despierta de nuevo al oyente). Las voces de fondo, son una vez más, increibles a cargo de Paul y George, y las guitarras están justo en su sitio.... una perfecta Lennon para pasar a una perfecta McCartney...
She Came In Through The Bathroom Window (McCartney)
John: Guitarra Acústica de 12 cuerdas, Piano Eléctrico y Voz Paul: Bajo, Piano y Voces George: Guitarra Acústica, Guitarra Solista y Voces Ringo: Batería y Percusión
Y lo cierto es que entraron a través de la ventana del cuarto de baño. Un grupo de Apple Scruffs, a ellas nos referimos, irrumpieron en casa de Paul por una escalera a través de la ventana del cuarto de baño. Apple Scruffs era el nombre por el cual se conocía a las chicas que solían esperar a la puera de la casa y del estudio de los Beatles. George Harrison también escribió una canción llamada "Apple scruffs" en su primer album en solitario "All Things Must Pass". El hecho es que una de las chicas entró en la casa y abrió la puerta para el resto. Por supuesto que todo lo que querían era un recuerdo, y no se llevaron nada de valor. Algunas de las fotos que eligieron llevarse eran bastante queridas por Paul, y consiguió recuperar algunas, aunque parte del material ya había llegado a Norte América. La canción fue escrita por Paul en Junio de 1968 durante un viaje a Estados Unidos. La canción es una delicia, tanto instrumental, como vocalmente, con una melodía contagiosa y una gran batería por parte de Ringo. De momento se para, y comenzamos a soñar...
Golden Slumbers (McCartney)
Paul: Guitarra Rítmica, Piano y Voz George: Bajo y Guitarra Solista Ringo: Batería Músicos de Estudio: Orquesta de 30 Músicos
Un día en casa de su padre, Paul estaba tocando el piano y se encontró con uan nana con letra de Thomas Decker (siglo 17). Incapaz de leer la música de la canción, creó su propia versión (¡y qué versión!). La canción magistralmente arreglada para orquesta nos lleva de inmediato a Carry That Weight.
Carry That Weight (McCartney)
Paul: Guitarra Rítmica, Piano y Voz George: Bajo y Guitarra Solista Ringo: Batería Músicos de Estudio: Orquesta de 30 Músicos
Grabada a la vez que Golden Slumbers, Carry That Weight es realmente una continuación de You Never Give Me Your Money, conseguida de una manera que tan solo McCartney con la ayuda de George Martin hubiera logrado. Las voces adicionales de esta continuación a cargo de George y Ringo (especialmente de George en los sitios con el Money), son una manera estupenda de prepararnos para el The End
The End (McCartney) John: Guitarra Solista y Voces Paul: Bajo, Guitarra Solista, Piano y Voz George: Guitarra Solista y Voces Ringo: Batería Músicos de Estudio: Orquesta de 30 Músicos
Siempre se ha dicho que no había mejor manera de terminar el último álbum grabado por los Beatles en su carrera. The End contiene además el primer (y último) solo de batería grabado por Ringo con los Beatles, y sintetiza su carrera como batería,.... simple pero tan efectivo. Después del turno de Tingo, entran el resto de Beatles con sus guitarras y compiten tocando el solo (esto se aprecia aun mejor en el Anthology 3. Y todo esto, para finalmente oir un aompañamiento de piano para la frase que John definió como cósmica "And in the end, the love you take is equal to the love you make". Una gran manera de despedirse.
Her Majesty (McCartney)
Paul: Guitarra Acústica y Voz
¿O no? Parece que Paul se hubiera quedado en el estudio después de que se marchara todo el mundo y se hubieran apagado las luces. Habría cogido su guitarra para cantarle a su majestad. La más corta y última grabación en aparecer en un álbum de los Beatles, pero con tan solo 23 segundos de duración, parece que Paul también hubiera decidido dejar el estudio después de todo, y considerar The End como la última canción del mejor grupo de todos los tiempos.
Discografica:Bloodfish Productor:Phideaux País:Estados Unidos Duración:67:17
Tracks: 1. Micro Softdeathstar 2. The Doctrine of Eternal Ice (Part One) 3. Candybrain 4. Crumble 5. The Doctrine of Eternal Ice (Part Two) 6. Thank You For The Evil 7. A Wasteland Of Memories 8. Crumble 9. Formaldehyde 10. Microdeath Softstar
Band: Phideaux Xavier: piano, guitar, handclaps, vocals Rich Hutchins: drums Ariel Farber: violin, vocals Valerie Gracious: piano, vocals Mathew Kennedy: bass guitar Gabriel Moffat: lap steel guitar, handclaps Linda Ruttan Moldawsky: vocals Molly Ruttan: vocals Mark Sherkus: keyboards
Músicos invitados: Steve Daudin: flute (9) Rob Martino: flute (3) Johnny Unicorn: organ, Moog Voyager, handclaps, vocals (3, 10) Joel Weinstein: guitar solo (10) Arjen Lucassen: spoken vocals (10) Martin Orford: synthesiser solo (9) Matthew Parmenter: violin, vocals (1, 6, 9, 10)
Phideaux es una banda americana comandada por el multiinstrumentista y vocalista Phideaux Xavier, que ya lleva unos años en esto de la música. De hecho “Doomsday Afternoon” es ya el sexto álbum del grupo y mucho me temo que el que definitivamente les va a situar entre los más aclamados de la escena progresiva actual.
Phideaux han dado un giro a su sonido en este nuevo álbum, que de hecho es la segunda parte de su anterior “The Great Leap”.En “Doomsday Afternoon” estamos ante un trabajo de puro progresivo-sinfónico, cimentado a base de influencias setenteras pero al mismo tiempo dejándose querer por las posteriores décadas, hasta el punto de que Phideaux no desentonan en absoluto dentro del saco de las bandas de progresivo moderno.
Phideaux Xavier dice estar influenciado por David Bowie, Genesis, Alice Cooper, Jethro Tull, Van der Graaf Generator, Roxy Music, Joy Division o Dead can Dance entre otros muchos y dispares artistas, pero en esta ocasión, como digo, se muestra totalmente fiel al género progresivo.
El compromiso con el sinfonismo más barroco, y la melodía más preciosista es total. Arreglos orquestales de lo más delicioso, flirteos de sumo gusto con el folk pastoral y el gótico, incursiones en la música celta, influencias de bandas clásicas como Genesis, Pink Floyd o Van der Graaf Generator o precisos juegos vocales al estilo Pure Reason Revolution, son algunos de los ingredientes que podemos encontrarnos en esta obra conceptual basada en el negro futuro ecológico que nos espera.
Estamos ante la típica obra unitaria, que vas descubriendo poco a poco. Qué decir ante maravillas progresivas del calibre de “The Doctrine of Eternal Ice (part two)”, “Formaldehyde” o “Microdeath Softstar”, o piezas de belleza superlativa como “Candybrain” o los dos interludios titulados “Crumble”. O también un tema con un aire espacial “Thank you for the Evil”, que más que a Pink Floyd recuerda a los Eloy de “Planets”. A resaltar las pequeñas colaboraciones de Matthew Parmenter, Martin Orford y Arjen Lucassen. (F.Lizana)
